Daniel Birnbaum est directeur et conservateur d'Acute Art à Londres, UK. Daniel était auparavant directeur du Moderna Museet à Stockholm de 2010 à 2018. De 2000 à 2010, il a été recteur de la Städelschule à Francfort et directeur de la Kunsthalle Portikus de Francfort. Il est rédacteur en chef pour Artforum à New York et il a notamment organisé plusieurs grandes expositions, dont Airs de Paris au Centre Pompidou à Paris (en coopération avec Christine Macel) en 2007. Daniel a été le directeur de la Biennale de Venise en 2009. Il est l'auteur de nombreux ouvrages d'art et de philosophie et il est co-éditeur (avec Isabelle Graw) de la série editoriale Insitut für Kunstkritik, publiée par Sternberg Press. Il est membre du conseil d'administration de Nobel Media, l'organisation qui gère les événements entourant les prix Nobel.

Les œuvres de l'artiste Olafur Eliasson couvrent la sculpture, la peinture, la photographie, le cinéma et l'installation. Non limité aux confins du musée et de la galerie, sa pratique engage la sphère publique au sens large à travers des projets architecturaux, des interventions dans l'espace civique, l'éducation artistique, l'élaboration de politiques et les questions de durabilité et de changement climatique. Depuis 1997, ses expositions personnelles sont présentées dans les plus grands musées du monde. Les projets d'Olafur dans les espaces publics incluent The New York City Waterfalls en 2008 et Ice Watch, montré à Copenhague en 2014, Paris en 2015 et Londres en 2018. L'art d'Olafur est motivé par ses intérêts pour la perception, le mouvement, l'expérience incarnée et les sentiments de soi. Il s'efforce de rendre les préoccupations de l'art pertinentes pour la société en général. L'art, pour lui, est un moyen crucial pour transformer la pensée en faire dans le monde. Il est actif dans le domaine numérique depuis de nombreuses années et a été très tôt à explorer le potentiel de la réalité virtuelle et de la réalité augmentée.
 

Depuis 1991, Douglas Coupland est auteur de treize romans, publiés dans la plupart des langues internationales. Il a écrit et joué pour la Royal Shakespeare Company en Angleterre et il est parallèlement journaliste au Financial Times de Londres. En 2000, Douglas a amplifié sa production dans le domaine des arts visuels et il a récemment été protagoniste de deux distinctes rétrospectives itinérantes dans des différentes musées internationales: l’exposition itinérante Everything is Anything is Anywhere is Everywhere (présenté en succession à la Vancouver Art Gallery, au Royal Ontario Museum et au Museum of Contemporary Canadian Art) et Bit Rot, organisé au Witte de With, Centre d'art contemporain de Rotterdam et présenté aussi à Villa Stücke à Munich pendant l'automne 2017.En 2015 et 2016, Coupland a été l’artiste en résidence à l'Institut Culturel Google à Paris. Coupland est membre de l’Académie Royale du Canada, officier de l’Ordre du Canada, officier de l’Ordre de British Columbia, Chevalier de l’Ordre des Arts et des Lettres et lauréat du Prix Lieutenant Governor’s Award pour l’excellence littéraire.

Anicka Yi est une artiste dont la pratique artistique addresse les domaines de la biologie synthétique et de la bioingénierie et qui explore également les problématiques de l'extinction et de la bio-fiction. Son travail expérimente autour les concepts de «biopolitique des sens» et sur comment les préjudices et les angoisses liées au genre, à la race et à la classe sociale influencent la perception physique. Anicka vit et travaille à New York. Parmi les expositions institutionnelles de son travail figurent des participations dans des espaces du calibre du Musée R. Guggenheim de New York, du Fridericianum de Kassel, de la Kunsthalle Basel, du Centre des arts visuels de List à Cambridge, en Massachusetts, du centre d’art The Kitchen à New York et du Cleveland Museum of Art. En 2016, elle a reçu le prix d’art Hugo Boss. Anicka a projeté son film, The Flavor Genome, à la Biennale Whitney en 2017 et aussi au Festival International du Film de Rotterdam en 2017.

Ed Atkins est un artiste interdisciplinaire qui crée des vidéos, écrit et dessine avec l’intention de développer un discours complexe et profondément détaillé autour du concept de “définition”, en se focalisent notamment sur la manière dont les impossibilités d'une représentation satisfaisant du monde physique, en particulier corporel, sont répétées hystériquement. Ses exhibitions personnelles ont été présenté dans des nombreux musées et galeries du monde, comme le Martin-Gropius-Bau de Berlin, le MMK de Francfort; le DHC / ART à Montréal (en 2017); le Castello di Rivoli à Turin; le centre d’art The Kitchen de New York (en 2016); le Stedelijk Museum de Amsterdam (en 2015) et The Serpentine Gallery à Londres (en 2014). Une anthologie de ses textes, A Primer for Cadavers, a été publiée par les éditions Fitzcarrald en 2016 et une monographie détaillée publiée par Skira a été publié en 2017. Ed vit et travaille à Berlin.

Le travail artistique de Pamela Rosenkranz aborde les instables définitions philosophiques et scientifiques du «naturel» et de «l’humain» à l’époque de l’Anthropocène (l’ère géologique marquée par l’impact des activités humaines sur l’écosystème). Pamela déploie une palette d'icônes brevetées - des bouteilles d'eau en polyéthylène, des boissons gazeuses, des peintures au latex de Ralph Lauren, des JPEG de International Blue Klein, du papier photo Ilford et des sneakers ASICS - enrichis par des interventions en silicone et acrylique couleur chair. En contestant la distinction entre naturel et artificiel, elle interroge les dynamiques évolutives et matérielles sous-jacentes à la perception, à l'art et à la culture.

Susanne Pfeffer est devenue directrice du Museum für Moderne Kunst (MMK) à Francfort-sur-le-Main à partir du 1er janvier 2018. Curatrice du projet présenté par Anne Imhof pour le Pavillon Allemand à la Biennale de Venise 2017 et gagnant le Lion d'or et également collaboratrice de Artforum, Pfeffer devient la directrice du Fridericianum de Kassel en 2013. Au Fridericianum, elle a exploré des hypothèses des futurs posthumes avec des exhibition comme Speculations on Anonymous Materials (2013) et les suivantes Nature After Nature (2014) et Inhuman (2015). Susanne a été aussi directrice artistique du Künstlerhaus Bremen de 2004 à 2006 et curatrice en chef du KW Institute of Contemporary Art à Berlin de 2007 à 2012.

Lars Jakob Bang Larsen est curateur adjoint pour l'art international au Moderna Museet de Stockholme. Il est professeur invité en théorie de l'art au Royal Institute of Art de Stockholme, directeur de cours invité pour le programme d'art, culture et technologie au Massachusetts Institute of Technology de Boston et professeur invité et tuteur à la Haute Ecole d'Art et de Design de Genève. Lars est post-doctorant à l'Institut d'art et d'histoire culturelle de l'Université de Copenhague, où il détient également un doctorat sur les concepts psychédéliques dans l'art néo-avant-gardiste. Lars a organisé plusieurs expositions et il a été co-commissaire avec Jochen Volz de la 32ème Biennale de São Paulo 2016: Incerteza Viva (Live Uncertainty). Il a écrit plusieurs publications et contribue à divers magazines d’art (dont Artforum).

Michelle Kuo est curatrice Marlene Hess dans le département de peinture et sculpture au Museum of Modern Art de New York. Elle a été rédactrice en chef d’Artforum de 2010 à 2017 et elle a dirigé le numéro du 50e anniversaire du magazine, ainsi que autres plusieurs numéros spéciaux sur des sujets contemporains allant des nouveaux médias à la peinture, en passant aussi par la politique identitaire. Michelle est aussi auteur de nombreux essais sur les travaux , entre autres, de Robert Rauschenberg, Le Corbusier et Jeff Koons; elle a donné de nombreuses conférences dans des institutions comme le Centre Pompidou et l’Académie centrale des beaux-arts de Beijing. Elle contribue également à des publications comme Octobre et The Art Bulletin et elle a prononcé la prestigieuse conférence de l’Association internationale des critiques d’art en 2012. Elle est également l'auteur d'un livre basé sur le sujet de sa thèse de doctorat: le groupe interdisciplinaire d'après-guerre Experiments in Art and Technology (E.A.T.).

Paul F.M.J. Verschure est professeur de recherche à l'Institut catalan d'études avancées (ICREA) et directeur du programme de neuro-ingénierie de l'Institut de bioingénierie de la Catalogne et de l'Institut des sciences et technologies de Barcelone, où il dirige le laboratoire SPECS (Synthetic Perceptive, Emotive and Cognitive Systems). Il est professeur associé en informatique et intelligence artificielle à l'Université Pompeu Fabra. Il est fondateur et PDG de l’enterprise Eodyne Systems S.L., qui commercialise des technologies novatrices dans les méthodologies de neuroréhabilitation et également des technologies pour la conservation du patrimoine culturel. Paul est le fondateur et président de la Future Memory Foundation, qui vise à soutenir le développement de nouveaux outils et méthodologies pour la conservation, la présentation et l'éducation de l'histoire de l'Holocauste et des crimes nazis. En complément à son engagement scientifique, Paul a développé et déployé plus de 35 installations et performances artistiques.

Dado Valentic est chef créatif chez Acute Art, une des principales plateformes mondiales de production et distribution d'art en réalité virtuelle (RV). Confronté à la tâche de surmonter les actuels limitations techniques de la réalité virtuelle, Dado a développé une approche entièrement nouvelle au travail en réalité virtuelle, essentiellement basée sur son expérience de chercheur dans le domaine de la perception et de l’illusion optique. Il travaille en étroite collaboration avec certains des plus grands artistes contemporains au monde pour transformer leur vision en œuvres d’art interactif. Dado est un coloriste primé et un scientifique de couleurs qui apporte une contribution de longue date dans le domaine de l’innovation et l'élaboration de l’image numérique. Il a travaillé sur certaines des productions les plus connues pour le film et la télévision, notamment Sherlock Holmes, Exodus, Game of Thrones, Marco Polo et Total Recall. Il a été un des inventeurs du Colour Managed Workflow, qui est aujourd’hui devenu une norme pour les productions télévisées à épisodes les plus sophistiquées.

Karen Archey est curatrice du département de l'art contemporain et des médias temporels au Stedelijk Museum Amsterdam.  Précédemment, elle était basée à Berlin et à New York, où elle a travaillé comme curatrice indépendante, critique d'art et rédactrice en chef de e-flux. Karen était une récipiendaire de la bourse Creative Capital de la Warhol Foundation Arts Writers Grant en 2015. En mettant l'accent sur les pratiques féministes, l'art et la technologie, ses écrits sont régulièrement présentés dans des magazines du calibre de frieze, ArtReview et aussi dans des anthologies publiées par des institutions comme le Whitney Museum of American Art, MIT Press et New Museum. Karen a co-organisé l'exposition d'étude Art Post-Internet au Centre d'art contemporain Ullens de Beijing (2014) et elle a édité la publication Art Post-Internet: INFORMATION / DATA. En tant que conférencière régulière, Karen a intervenue à la Renaissance Society de l’Université de Chicago, à l’Institut des arts contemporains de Londres, au Musée d’art moderne de New York, au MoMA PS1.