Jessica Morgan a rejoint la Dia Art Foundation en tant que directrice en janvier 2015 et elle a été successivement nommée Directrice Nathalie de Gunzburg en octobre 2017. Chez la Dia Art Foundation, Jessica est responsable de la consolidation et de la dynamisation de tous les aspects du programme multivalent de la fondation, y compris ses projets pionniers de Land art, son patronage d'oeuvres et d’installations site-specific, ainsi que la supervision des collections et la coordination de la programmation à travers les différents sites de la Dia.​ Depuis son arrivée, la fondation s’est élargie et a diversifié sa collection pour inclure notamment des œuvres majeures de Mary Corse, Nancy Holt, Robert Morris, Dorothea Rockburne, Kishio Suga, Anne Truitt et Lee Ufan.

​Parallèlement à un programme d’expositions enrichi, Jessica a poursuivi l’engagement de la Dia en faveur de la sponsorisation d’installations site-specific, permettant la création d'importantes nouvelles œuvres par des artistes tels que Isabel Lewis, Rita McBride et Joëlle Tuerlinckx. En 2015, elle a réalisé la première commission de la Dia hors du continent américain, une œuvre de Allora & Calzadilla, intitulée Puerto Rican Light (Cueva Vientos) à Porto Rico. En 2018, Jessica a annoncé une campagne pluriannuelle de stratégie globale comprenant la modernisation, la revitalisation et la gestion costant des principaux espaces programmatiques et des sites d’artistes coordonnés par la Dia.

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Photo par Alpimages

Les artistes Jennifer Allora (1974, Philadelphie) et Guillermo Calzadilla (1971, La Havane) vivent et travaillent à San Juan, Porto Rico. Leurs expositions personnelles ont eu lieu dans des institutions comme la Serpentine Gallery, Londres; la Kunsthalle Zürich, Zürich; le Stedelijk Museum, Amsterdam; la Haus der Kunst, Munich; le MoMA – Museum of Modern Art, New York; le Castello de Rivoli - Museo d’Arte Contemporanea, Turin; le Philadelphia Museum of Art, Philadelphie; le MAXXI, Rome; la Fundacio Antoni Tapies, Barcelone; le Walker Art Center, Minneapolis; la Renaissance Society, Chicago; le Palais de Tokyo, Paris; et au sein de multiples espaces culturels de renommée internationale. Jennifer et Guillermo ont représenté les États-Unis à la 54eme Biennale de Venise en 2011. En 2015, ils ont réalisé l'installation in-situ intitulée Puerto Rican Light (Cueva Vientos), commandée par la Dia Art Foundation et située sur la côte sud de Porto Rico. Ils préparent actuellement une grande exposition personnelle à la Menil Foundation à Houston, qui ouvrira en septembre 2020.

Andrea Bowers est une artiste américaine basée à Los Angeles qui travaille avec une grande variété de media, dont la video, le dessin et les installations. Andrea est diplomée de l’Institut des Arts de Californie don’t elle a obtenu un Master en 1992. Depuis 23 ans, elle explore des thématiques sociales allant des droits des femmes ou des travailleurs aux changements climatiques. A l’intersection entre art et activisme, son travail a été exposé à travers le monde, notamment au sein de musées et de galeries en Allemagne, en Grèce et à Tokyo.

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Photo par Alpimages

Elvira Dyangani Ose est la directrice de The Showroom à  Londres. Elle est affiliée au Département de Cultures Visuelles de la Goldsmith University et au Thought Council de la Fondazione Prada. Auparavant, elle a été curatrice principale de l’organisation Creative Time, curatrice de la huitième édition de la Biennale internationale d'art contemporain de Göteborg ainsi que curatrice au sein de departement Art International à la Tate Modern. Elle a aussi récemment rejoint le comité de consultation de la Tate Modern. Elvira a publié plusieurs œuvres, donné des conférences sur l'art moderne et contemporain et contribué à plusieurs revues d'art telles que Nka et Atlántica. Elle a obtenu un doctorat en histoire de l'art et études visuelles à l'Université Cornell, New York, un master en théorie et histoire de l'architecture de l'Universitat Politècnica de Catalunya, Barcelone et une licence en histoire de l'art de l'Universitat Autònoma de Barcelona.

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Photo par Alpimages

Rosario Hurtado et Roberto Feo définissent leur pratique comme « le travail effectué pour comprendre le monde ». Avec leur studio de design El Último Grito, ils produisent des oeuvres  en réponse à un questionnement sur la nature et les modes de représentation et comment ceux-ci structurent nos idées de la réalité. El Último Grito considère son activité académique comme une extension de son travail public, apportant son approche expérimentale dans le domaine de academique. Roberto Feo est professeur de Design à la Goldsmiths University de Londres et Rosario Hurtado co-dirige le programme Master Space and Communications à l'université HEAD-Genève. Dans le cadre de leur activité universitaire, ils ont créé l'unité de recherche : Vehicles for Experimental Practice, basée à la Goldsmiths University de Londres, dont la première réalisation est la revue de pratique expérimentale Multiplexer.

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Photo par Alpimages

Dominique Gonzalez-Foerster est une artiste expérimentale basée à Paris. Depuis 1990, elle explore les différentes modalités de relations sensorielles et cognitives, réelles ou fictives,  qui s’instaurent entre le corps et l’espace, jusqu'à remettre en question la distance entre vie organique et travail. Métabolisant des références éclectiques provenant de la littérature, du cinéma, de l’architecture, de la musique, de la science et de la culture populaire, Dominique crée des «chambres» et des «intérieurs», des «jardins», des «attractions» et des «planètes», qui interagissent avec les multiples significations que ces termes prennent dans les œuvres de Virginia Woolf ou Nathaniel Hawthorne, des soeurs Brontë ou du Thomas Pynchon, de Joanna Russ ou du Philip K. Dick. Hantées par l’histoire et le futur, les œuvres de Dominique deviennent des réceptacles où l’artiste incube une forme de subjectivité qui n’existe pas encore. À travers des multiples expositions internationales, courts métrages, installations et concerts, l’œuvre mutante de Dominique contribue à l'invention de nouvelles technologies de la conscience.

Photo par Giasco Bertoli

Dorothea von Hantelmann est professeure d’Art et Humanité au Bard College à Berlin. Avant d'occuper ce poste, elle était professeure à l'Académie des beaux-arts/Université de Cassel, où elle a enseigné l'histoire et la signification de l’exposition d’art internationale documenta. Ses principaux domaines de recherche sont l’histoire et la théorie de l'art ainsi que des expositions. Ecrivain, Elle est l'auteur du livre How to Do Things with Art, l'un des travaux fondamentaux sur la performativité dans l'art contemporain, la co-éditrice de Die Ausstellung. Politik eines Rituals (“L’exposition. La politique d’un ritual”) et écrit de façon extensive sur l’art contemporain. Son dernier projet éditorial, The exhibition: Transformations of a ritual, explore les expositions en tant qu'espaces rituels dans lesquels les valeurs et les catégories fondamentales des sociétés de marché modernes et libérales sont historiquement et continuent d’être performées et reflétées.

Photo par Alpimages

Joan Jonas est une artiste de renommée internationale dont le travail englobe un large éventail de médias, notamment la vidéo, la performance, l'installation, le son, le texte et la sculpture. Les expériences et les œuvres de Joan réalisées à la fin des années 1960 et au début des années 1970 continuent d’être cruciales pour le développement de nombreux genres d’art contemporain, allant de la performance et de la vidéo à l’art conceptuel et au théâtre. Depuis 1968, sa pratique artistique explore les façons de voir, les rythmes des rituels et l'autorité des objets et des gestes. Joan a exposé, projeté et performé son travail dans des musées, des galeries et des expositions de groupe de grande échelle à travers le monde. Elle a récemment présenté des expositions personnelles au Hangar Bicocca, Milan; au NTU Centre for Contemporary Art, Singapour; au pavillon des États-Unis pour la 56eme édition de la Biennale de Venise; à la Tate Modern, Londres; au TBA21 Ocean Space à l'église San Lorenzo, Venise; et au Musée Serralves, Porto. En 2018, elle a reçu le prestigieux prix de Kyoto, décerné à ceux qui ont contribué de manière significative à l'amélioration scientifique, culturelle et spirituelle de l'humanité.

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Photo par Alpimages

Stefan Kaegi est un artiste basé à Berlin, qui produit principalement des pièces de théâtre documentaires et qui travaille dans l'espace public en collaboration avec une grande variété de partenaraires. Stefan a fait un voyage performatif en Europe et en Asie avec deux chauffeurs routiers bulgares dans un camion transformé en salle d'audience mobile (Cargo Sofia). Il a développé Radio Muezzin au Caire - un projet sur l'appel à la prière à l'ère de la reproductibilité technique. En ce moment, il adapte Remote X, une visite audio imaginée simultanément pour 50 casques dans des villes comme Taipei et Tunis, et il présente l'installation itinérante interactive Nachlass, qui dépeint des gens qui n'ont plus longtemps à vivre. Stefan coproduit aussi des œuvres avec Helgard Haug et Daniel Wetzel, sous le label Rimini Protokoll. En utilisant recherches, auditions publiques et processus conceptuels, ils donnent la parole à des « experts» qui ne sont pas forcément des acteurs professionnels, mais qui ont néanmoins quelque chose à dire. Leur dernier travail, Utopolis, conçu pour 48 haut-parleurs portables, a été inauguré au Manchester Festival 2019.

Adrian Lahoud est un architecte, urbaniste et chercheur de renommée internationale. Il a écrit et donné de nombreuses conférences sur la relation entre les formes spatiales urbaines et les changements environnementaux de grande échelle, particulièrement dans le monde arabe et l'Afrique. Adrian est le doyen de la School of Architecture du Royal College of Art de Londres, et a été auparavant Studio Master dans le programme Projective Cities du Master of Philosophy in Architecture and Urban Design à l'Architectural Association de Londres. Il a egalement été directeur du master “ Research Architecture ” et aussi chercheur associé dans le cadre du projet ERC Architecture Scientifique de l’Université Goldsmiths de Londres. Parmi ses œuvres clés figurent Climate Crimes à The Future Starts Here, V&A Museum; Floating Bodies à Forensis: The Architecture of Public Truth, Haus der Kulturen der Welt, Berlin et Fallen Cities: Architecture and Reconstruction inclus dans The Arab City: Architecture and Representation.

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Photo par Alpimages

Philippe Rahm est un architecte suisse, directeur du studio d’architecture Philippe Rahm architectes, basé à Paris, France. Son travail, qui étend le domaine de l'architecture du physiologique au météorologique, a reçu l’attention du public international dans le contexte de la durabilité. Ses travaux récents incluent le premier prix du concours Farini à Milan, en 2019; le Central Park de 70 hectares à Taichung, Taiwan, achevé en décembre 2019 ; l'Agora de la Radio Nationale Française à Paris ; et un espace d'exposition de 2 700 m2 pour la Fondation Luma à Arles, France. Il a été professeur à la GSD Harvard University, à la Columbia University et à la Princeton University. En 2017, son travail a été exposé aux biennales d'architecture de Chicago et de Séoul.

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Lucy Raven est une artiste basée à New York. Son travail s’exprime principalement dans les domaines du cinéma d’animation et de l’installation d'images animées. Ses oeuvres sont exposées ou projetées internationalement, notamment au Guggenheim Museum, New York ; à la Serpentine Gallery, Londres ; au MoMA et PS 1, New York ; au Portikus, Francfort ; à la Tate Modern, Londres ; et au Hammer Museum, Los Angeles. Son œuvre d'art publique permanente, Lichtspielhaus, a récemment inaugurée dans le cadre de l'ouverture du nouveau musée du Bauhaus à Dessau, en Allemagne (septembre 2019). Elle est la co-fondatrice (avec Vic Brooks et Evan Calder Williams) du collectif de recherche et de production d'images en mouvement 13BC, dont l'exposition Fatal Act est présentée à la Douglas Hyde Gallery à Dublin, Irlande, jusqu'au 7 décembre 2019. Elle enseigne à la Cooper Union School of Art à New York.

Djamila détient un Master en Philosophie Politique de l’Université Fédérale de São Paulo. Elle est un auteur acclamé pour ses livres tels que Quem tem medo do Feminismo Negro? ('Qui a peur du Féminisme Noir?'), Lugar de Fala ('Le Lieu de la Parole'), et Pequeno Manual Antirracista ('Petit Manuel Antiraciste'). Djamila est également éditeur en chef de la Collection Feminismos Plurais ('Féminins Pluriels'), éditeur d’écrivains afro descendants à des prix abordables et une langue accessible. Elle est la fondatrice et directrice de Sueli Carmeiro qui publie les ouvrages de femmes noires d’Amérique Latine et des Caraïbes. Elle a récemment reçu le Prins Claus Award pour sa contribution exceptionnelle dans le domaine de la culture et du développement.

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