Adrian Lahoud est un architecte, urbaniste et chercheur de renommée internationale. Il a écrit et donné de nombreuses conférences sur la relation entre les formes spatiales urbaines et les changements environnementaux de grande échelle, particulièrement dans le monde arabe et l'Afrique. Adrian est le doyen de la School of Architecture du Royal College of Art de Londres, et a été auparavant Studio Master dans le programme Projective Cities du Master of Philosophy in Architecture and Urban Design à l'Architectural Association de Londres. Il a egalement été directeur du master “ Research Architecture ” et aussi chercheur associé dans le cadre du projet ERC Architecture Scientifique de l’Université Goldsmiths de Londres. Parmi ses œuvres clés figurent Climate Crimes à The Future Starts Here, V&A Museum; Floating Bodies à Forensis: The Architecture of Public Truth, Haus der Kulturen der Welt, Berlin et Fallen Cities: Architecture and Reconstruction inclus dans The Arab City: Architecture and Representation.

Photo par Alpimages
 

Ailton Krenak est un écrivain, chercheur, écologiste et leader indigène. Originaire du peuple Krenak, Ailton a consacré ses études et sa vie au militantisme et au mouvement indigène, articulant des actions et des organisations en faveur des droits des peuples indigènes tels que leurs droits sur leurs terres, leurs langues, leurs cultures et leurs vies. Ailton a fondé l'ONG Nucleus of Indigenous Culture, ainsi que l'Union des nations indigènes (UNI) pour unifier les revendications indigènes. Ailton est également connu en tant qu'écrivain, publiant des livres tels que Ideias para adiar o fim do mundo (Idées pour repousser la fin du monde 2019), A vida não é útil (La vie n'est pas utile 2020) et O Amanhã Não Está à Venda (Demain n'est pas à vendre 2020). En 2020, il a remporté le prix de l'intellectuel de l'année Juca Pato, décerné par l'União Brasileira de Escritores. 

Photo par Matthieu Jean Marie Lena
 

Les artistes Jennifer Allora (1974, Philadelphie) et Guillermo Calzadilla (1971, La Havane) vivent et travaillent à San Juan, Porto Rico. Leurs expositions personnelles ont eu lieu dans des institutions comme la Serpentine Gallery, Londres; la Kunsthalle Zürich, Zürich; le Stedelijk Museum, Amsterdam; la Haus der Kunst, Munich; le MoMA – Museum of Modern Art, New York; le Castello de Rivoli - Museo d’Arte Contemporanea, Turin; le Philadelphia Museum of Art, Philadelphie; le MAXXI, Rome; la Fundacio Antoni Tapies, Barcelone; le Walker Art Center, Minneapolis; la Renaissance Society, Chicago; le Palais de Tokyo, Paris; et au sein de multiples espaces culturels de renommée internationale. Jennifer et Guillermo ont représenté les États-Unis à la 54ème Biennale de Venise en 2011. En 2015, ils ont réalisé l'installation in-situ intitulée Puerto Rican Light (Cueva Vientos), commandée par la Dia Art Foundation et située sur la côte sud de Porto Rico. Ils préparent actuellement une grande exposition personnelle à la Menil Foundation à Houston, qui ouvrira en septembre 2020.

Andrea Bowers est une artiste américaine basée à Los Angeles qui travaille avec une grande variété de supports, dont la vidéo, le dessin et les installations. Andrea est diplômée de l’Institut des Arts de Californie don’t elle a obtenu un Master en 1992. Depuis 23 ans, elle explore des thématiques sociales allant des droits des femmes ou des travailleurs aux changements climatiques. A l’intersection entre art et activisme, son travail a été exposé à travers le monde, notamment au sein de musées et de galeries en Allemagne, en Grèce et à Tokyo.

Photo par Alpimages
 

Anicka Yi est une artiste dont la pratique artistique s’occupe des domaines de la biologie synthétique et de la bioingénierie et qui explore également les problématiques de l'extinction et de la bio-fiction. Son travail expérimente autour les concepts de «biopolitique des sens» et sur comment les préjudices et les angoisses liées au genre, à la race et à la classe sociale influencent la perception physique. Anicka vit et travaille à New York. Parmi les expositions institutionnelles de son travail figurent des participations dans des espaces du calibre du Musée R. Guggenheim de New York, du Fridericianum de Kassel, de la Kunsthalle Basel, du Centre des arts visuels de List à Cambridge, dans le Massachusetts, du centre d’art The Kitchen à New York et du Cleveland Museum of Art. En 2016, elle a reçu le prix d’art Hugo Boss. Anicka a projeté son film, The Flavor Genome, à la Biennale Whitney en 2017 et aussi au Festival International du Film de Rotterdam en 2017.

Photo par Frederik Jacobovits 
 

Citoyenne helvético-suédoise née dans l’Arkansas (Etats-Unis), Barbara Hendricks a obtenu sa licence de musique à la Juilliard School, élève de la mezzo-soprano Jennie Tourel. Auparavant, à l’âge de vingt ans, elle avait obtenu sa licence de mathématiques et chimie à l’Université de Nebraska. En 1974, Barbara a fait ses débuts sur scène aux Etats-Unis et en Europe pour ensuite se produire sur toutes les scènes les plus importantes à travers le monde. Barbara a vendu plus que 14 millions de disques, avec près de cent albums à son actif enregistrés chez Sony, Decca, DG et EMI / Warner. Depuis 2006, elle enregistre exclusivement pour son propre label, Arte Verum. Après presque 20 ans d'infatigables services pour la cause des réfugiés en collaboration avec le Haut-Commissariat des Nations-Unies aux Réfugiés, elle a reçu le titre d'Ambassadrice Honoraire à Vie de l'HCR (le Haut-Commissariat des Nations-Unies pour les Réfugiés). En 1998, elle crée la Fondation Barbara Hendricks pour la Paix et la Réconciliation afin de personnaliser sa lutte pour la prévention des conflits dans le monde, faciliter la réconciliation et encourager la paix. 
 
Photo par Alpimages

Beatrix Ruf est commissaire d’exposition établie à Amsterdam, Pays-Bas. Elle a contribué à développer le format du premier Verbier Art Summit en 2017. Elle collabore actuellement aux stratégies et aux programmes du Garage Museum of Contemporary Art à Moscou et siège au conseil d'administration de la Hartwig Art Foundation, basée à La Haye. Beatrix a été directrice du Stedelijk Museum Amsterdam de novembre 2014 à janvier 2018. De septembre 2001 à octobre 2014, Beatrix a été directrice et curatrice en chef de la Kunsthalle Zürich, supervisant un important projet d'expansion lancé en 2003 et complété en 2012. Parmi ses positions professionnelles précédentes figurent: conservatrice au Kunstmuseum Thurgau à Warth de 1994 à 1998, directrice du Kunsthaus Glarus de 1998 à 2001. En 2006, Beatrix a présidé la troisième édition de la Tate Triennial à Londres et elle a été également co-curatrice de la triennale de Yokohama en 2008. De 1995 à 2014, elle a été conservatrice de la collection Ringier et, depuis 2010, elle est membre du groupe de recherche et réflexion du LUMA. En 2013, Beatrix a co-fondé POOL, un programme de formation curatoriale de troisième cycle à Zurich.

Photo par Alpimages

Le travail de Benjamin H. Bratton couvre la philosophie, l’art, le design et l’informatique. Il est professeur d'arts visuels et directeur du Centre de design et géopolitique de l'Université de Californie à San Diego. Pour la même université, il a fondé le nouveau programme de baccalauréat en design spéculatif. Il est également professeur de design numérique à l’European Graduate School; professeur invité à l’Institut d'architecture de la Californie du Sud et il était directeur de programmes éducatifs à l'Institut Strelka pour les médias, l'architecture et le design de Moscou pour le période 2016-18.

Photo par Frederik Jacobovits

Boaventura de Sousa Santos est professeur de sociologie à l'Université de Coimbra (Portugal) et chercheur distingué en droit à l'Université de Wisconsin-Madison. Il a obtenu un LL.M et un J.S.D à la Yale University et il est aussi titulaire d’un doctorat en droit honoris causa de l’Université McGill. Il est directeur du Centre d'études sociales de l'Université de Coimbra et il a extensivement écrit sur les questions de la mondialisation, de la sociologie du droit et de l'État, de l'épistémologie, des mouvements sociaux et du Forum social mondial. Il a reçu plusieurs prix, dont le plus récent, le prix scientifique et technologique du Mexique, en 2010, et le prix Kalven Jr. de l'association Law and Society, 2011. Son projet ALICE : Leading Europe to a New Way of Sharing the World Experiences a été financé par une subvention avancée du Conseil européen de la recherche et a été réalisé de juillet 2011 à 2016. Les livres les plus récents de Boaventura en anglais incluent : Epistemologies of the South : Justice against Epistemicide (2014), If God Were a Human Rights Activist (2015), Decolonising the University: The Challenge of Deep Cognitive Justice (2017) et The End of the Cognitive Empire: The Coming of Age of Epistemologies of the South (2018).

Photo par Alpimages

Christopher Kulendran Thomas est un artiste qui travaille sur les processus par lesquels l'art produit la réalité. Les oeuvres de Christopher étaient incluses dans la 11ème Biennale de Gwangju (2016), la 9ème Biennale de Berlin (2016) et aussi dans les exposition Pain et Roses au Musée d'Art Moderne de Varsovie (2016), Co-Workers: Network As Artist au Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris (2015) et Art Turning Left: How Values Changed Making à la Tate Liverpool (2013). Ses autres expositions incluent des expositions à Hamburger Bahnhof - Museum für Gegenwart, Berlin et Tensta Konsthall, Stockholm.

Photo par Frederik Jacobovits

Cissie Fu est doyenne à la faculté de Culture + Communauté de l’Université d’Art + Design Emily Carr et elle est cofondatrice de l’Initiative Political Arts, qui invite des différents penseurs du XXIe siècle à réfléchir sur les thématiques de la technologie numérique, de la créativité et des arts performatifs. Après un baccalauréat en gouvernement et philosophie à l’Université de Harvard, Cissie a exploré le droit de l’intérêt public à Washington, avant de poursuivre encore ses études à l’Université d’Oxford avec une maîtrise d'études en Études féminines, une maîtrise de science en recherche et méthodologie politique et un doctorat en politique et relations internationales. Elle a enseigné à Oxford et à l’University College de Londres, avant de devenir la tutrice principale et directrice des études au Leiden University College pour la faculté de gouvernance et des affaires internationales de l’université de Leiden à La Haye. De retour au Canada, elle continue son travail de curatrice indépendante et de présentratrice dans plusieurs institutions artistiques européennes et étrangères.

Photo par Frederik Jacobovits

Claudia Comte est une artiste basée à Bennwil, en Suisse. Son travail se définit par son intérêt pour la mémoire des matériaux et par une observation attentive de la relation entre la main et les différentes technologies. Claudia a étudié à l'Ecole Cantonale d'Art de Lausanne (ECAL) en 2004-2007, suivie d'un Master of Art in Science of Education à la Haute Ecole Pédagogique, Arts visuels, Lausanne, Suisse en 2008-2010. Elle a présenté son travail dans des expositions individuelles et collectives au Kunstraum, Dornbirn ; Château de Rivoli, Turin; Galerie König, Berlin ; Copenhague Contemporain; Galerie Gladstone, New York; MOCA, Cleveland; Musée d'Art Contemporain, St Louis ; Kunsthalle de Bâle; Désert X, Palm Springs ;  Kunstmuseum Lucerne; Fonds d'art public, New York;  Haus Konstruktiv, Zurich; et élévation 1049, Gstaad. Ses expositions à venir incluent : le 58e salon d'octobre de la Biennale de Belgrade (juin 2021) et une présentation en solo au Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, Madrid (printemps 2021).

Photo par Gunnar Meier
 

HRH Prince Constantijn van Oranje-Nassau conseille les entreprises sur leurs stratégies d'innovation numérique. Depuis 2017, le gouvernement néerlandais l'a choisi comme envoyé spécial international de StartupDelta, avec l'ambition de faire des Pays-Bas le meilleur endroit pour lancer, construire, agrandir et développer des entreprises et des stratégies de business innovantes. En 2019, TechLeap.NL a été lancé en tant que successeur de StartupDelta, un effort collectif majeur pour renforcer la croissance et la réputation des scale-up néerlandaises. Constantijn a travaillé dans les domaines de la gouvernance, du conseil en gestion et de la recherche et avis politique à la Commission européenne, au ministère des Affaires étrangères, à Booz Allen & Hamilton et à la RAND Corporation. Il était le chef de cabinet de Neelie Kroes, vice-présidente de la Commission européenne responsable de la stratégie numérique pour l'Europe. Il a ensuite créé sa propre entreprise de conseil et il a lancé le plus grand événement de start-up du Pays-Bas, le «StartupFest Europe», auquel ont participé plus de 36 000 personnes dans plus de 30 événements distribué sur 16 sites. Il occupe des postes de conseil et de conseil dans de nombreuses organisations culturelles, dont le Fonds Prince Claus pour la Culture et le Développement.

Photo par Frederik Jacobovits

Dado Valentic est chef créatif chez Acute Art, une des principales plateformes mondiales de production et distribution d'art en réalité virtuelle (RV). Confronté à la tâche de surmonter les actuels limitations techniques de la réalité virtuelle, Dado a développé une approche entièrement nouvelle au travail en réalité virtuelle, essentiellement basée sur son expérience de chercheur dans le domaine de la perception et de l’illusion optique. Il travaille en étroite collaboration avec certains des plus grands artistes contemporains au monde pour transformer leur vision en œuvres d’art interactif. Dado est un coloriste primé et un scientifique de couleurs qui apporte une contribution de longue date dans le domaine de l’innovation et l'élaboration de l’image numérique. Il a travaillé sur certaines des productions les plus connues pour le film et la télévision, notamment Sherlock Holmes, Exodus, Game of Thrones, Marco Polo et Total Recall. Il a été un des inventeurs du Colour Managed Workflow, qui est aujourd’hui devenu une norme pour les productions télévisées à épisodes les plus sophistiquées.

Photo par Frederik Jacobovits 

Daniel Birnbaum est directeur et conservateur d'Acute Art à Londres, au Royaume-Uni . Daniel était auparavant directeur du Moderna Museet à Stockholm de 2010 à 2018. De 2000 à 2010, il a été recteur de la Städelschule à Francfort et directeur de la Kunsthalle Portikus de Francfort. Il est rédacteur en chef pour Artforum à New York et il a notamment organisé plusieurs grandes expositions, dont Airs de Paris au Centre Pompidou à Paris (en coopération avec Christine Macel) en 2007. Daniel a été le directeur de la Biennale de Venise en 2009. Il est l'auteur de nombreux ouvrages d'art et de philosophie et il est coéditeur (avec Isabelle Graw) de la série editoriale Insitut für Kunstkritik, publiée par Sternberg Press. Il est membre du conseil d'administration de Nobel Media, l'organisation qui gère les événements entourant les prix Nobel.

Photo par Frederik Jacobovits 

Dave Beech est membre du collectif d'art Freee, écrivain et professeur d'art à l'Académie Valand de Göteborg. Son livre Art and Value, publié par Brill 2015, a été sélectionné pour le Deutscher Memorial Prize. Son travail a été exposé à la Biennale d'Istanbul et à la Biennale de Liverpool. Il contribue régulièrement à Art Monthly, a co-écrit le livre The Philistine Controversy, Verso (2002) avec John Roberts, a édité le livre MIT/Whitechapel Beauty (2009) et est coéditeur fondateur de Art and the Public Sphere journal.

Photo par Frederik Jacobovits

Djamila détient un Master en Philosophie Politique de l’Université Fédérale de São Paulo. Elle est un auteur acclamé pour ses livres tels que Quem tem medo do Feminismo Negro? ('Qui a peur du Féminisme Noir?'), Lugar de Fala ('Le Lieu de la Parole'), et Pequeno Manual Antirracista ('Petit Manuel Antiraciste'). Djamila est également éditrice en chef de la Collection Feminismos Plurais ('Féminins Pluriels'), éditrice d’écrivains afro descendants à des prix abordables et dans une langue accessible. Elle est la fondatrice et directrice de Sueli Carmeiro qui publie les ouvrages de femmes noires d’Amérique Latine et des Caraïbes. Elle a récemment reçu le Prins Claus Award pour sa contribution exceptionnelle dans le domaine de la culture et du développement.

Photo par Alpimages

Dominique Gonzalez-Foerster est une artiste expérimentale basée à Paris. Depuis 1990, elle explore les différentes modalités de relations sensorielles et cognitives, réelles ou fictives,  qui s’instaurent entre le corps et l’espace, jusqu'à remettre en question la distance entre vie organique et travail. Métabolisant des références éclectiques provenant de la littérature, du cinéma, de l’architecture, de la musique, de la science et de la culture populaire, Dominique crée des «chambres» et des «intérieurs», des «jardins», des «attractions» et des «planètes», qui interagissent avec les multiples significations que ces termes prennent dans les œuvres de Virginia Woolf ou Nathaniel Hawthorne, des soeurs Brontë ou du Thomas Pynchon, de Joanna Russ ou du Philip K. Dick. Hantées par l’histoire et le futur, les œuvres de Dominique deviennent des réceptacles où l’artiste incube une forme de subjectivité qui n’existe pas encore. À travers des multiples expositions internationales, courts métrages, installations et concerts, l’œuvre mutante de Dominique contribue à l'invention de nouvelles technologies de la conscience.

Photo par Giasco Bertoli

Dorothea von Hantelmann est professeure d’Art et Humanité au Bard College à Berlin. Avant d'occuper ce poste, elle était professeure à l'Académie des beaux-arts/Université de Cassel, où elle a enseigné l'histoire et la signification de l’exposition d’art internationale documenta. Ses principaux domaines de recherche sont l’histoire et la théorie de l'art ainsi que des expositions. Ecrivaine, elle est l'auteur du livre How to Do Things with Art, l'un des travaux fondamentaux sur la performativité dans l'art contemporain, la co-éditrice de Die Ausstellung. Politik eines Rituals (“L’exposition. La politique d’un rituel”) et écrit de façon extensive sur l’art contemporain. Son dernier projet éditorial, The exhibition: Transformations of a ritual, explore les expositions en tant qu'espaces rituels dans lesquels les valeurs et les catégories fondamentales des sociétés de marché modernes et libérales sont historiquement et continuent d’être performées et reflétées.

Photo par Alpimages

Depuis 1991, Douglas Coupland est auteur de treize romans, publiés dans la plupart des langues internationales. Il a écrit et joué pour la Royal Shakespeare Company en Angleterre et il est parallèlement journaliste au Financial Times de Londres. En 2000, Douglas a amplifié sa production dans le domaine des arts visuels et il a récemment été protagoniste de deux distinctes rétrospectives itinérantes dans différentes musées internationaux: l’exposition itinérante Everything is Anything is Anywhere is Everywhere (présenté en succession à la Vancouver Art Gallery, au Royal Ontario Museum et au Museum of Contemporary Canadian Art) et Bit Rot, organisé au Witte de With, Centre d'art contemporain de Rotterdam et présenté aussi à Villa Stücke à Munich pendant l'automne 2017. En 2015 et 2016, Douglas a été l’artiste en résidence à l'Institut Culturel Google à Paris. Il est membre de l’Académie Royale du Canada, officier de l’Ordre du Canada, officier de l’Ordre de British Columbia, Chevalier de l’Ordre des Arts et des Lettres et lauréat du Prix Lieutenant Governor’s Award pour l’excellence littéraire.

Photo par Frederik Jacobovits 
 

Ed Atkins est un artiste interdisciplinaire qui crée des vidéos, écrit et dessine avec l’intention de développer un discours complexe et profondément détaillé autour du concept de “définition”, en se focalisent notamment sur la manière dont les impossibilités d'une représentation satisfaisant du monde physique, en particulier corporel, sont répétées hystériquement. Ses expositions personnelles ont été présenté dans des nombreux musées et galeries du monde, comme le Martin-Gropius-Bau de Berlin, le MMK de Francfort; le DHC / ART à Montréal (en 2017); le Castello di Rivoli à Turin; le centre d’art The Kitchen de New York (en 2016); le Stedelijk Museum de Amsterdam (en 2015) et The Serpentine Gallery à Londres (en 2014). Une anthologie de ses textes, A Primer for Cadavers, a été publiée par les éditions Fitzcarrald en 2016 et une monographie détaillée publiée par Skira a été publié en 2017. Ed vit et travaille à Berlin.

Photo par Frederik Jacobovits 

Rosario Hurtado et Roberto Feo définissent leur pratique comme « le travail effectué pour comprendre le monde ». Avec leur studio de design El Último Grito, ils produisent des oeuvres en réponse à un questionnement sur la nature et les modes de représentation et comment ceux-ci structurent nos idées de la réalité. El Último Grito considère son activité académique comme une extension de son travail public, apportant son approche expérimentale dans le domaine académique. Roberto Feo est professeur de Design à la Goldsmiths University de Londres et Rosario Hurtado co-dirige le programme Master Space and Communications à l'université HEAD-Genève. Dans le cadre de leur activité universitaire, ils ont créé l'unité de recherche : Vehicles for Experimental Practice, basée à la Goldsmiths University de Londres, dont la première réalisation est la revue de pratique expérimentale Multiplexer.

Photo par Alpimages
 

Elvira Dyangani Ose est la directrice de The Showroom à  Londres. Elle est affiliée au Département de Cultures Visuelles de la Goldsmith University et au Thought Council de la Fondazione Prada. Auparavant, elle a été curatrice principale de l’organisation Creative Time, curatrice de la huitième édition de la Biennale internationale d'art contemporain de Göteborg ainsi que curatrice au sein du département Art International à la Tate Modern. Elle a aussi récemment rejoint le comité de consultation de la Tate Modern. Elvira a publié plusieurs œuvres, donné des conférences sur l'art moderne et contemporain et contribué à plusieurs revues d'art telles que Nka et Atlántica. Elle a obtenu un doctorat en histoire de l'art et études visuelles à l'Université Cornell, New York, un master en théorie et histoire de l'architecture de l'Universitat Politècnica de Catalunya, Barcelone et une licence en histoire de l'art de l'Universitat Autònoma de Barcelona.

Depuis le milieu des années ‘90, Ernesto Neto a produit des œuvres influentes qui explorent les constructions de l’espace social et du monde naturel, en invitant leur public à une interaction physique et à une expérience sensorielle. Né en 1964 à Rio de Janeiro, l'artiste vit et travaille toujours au Brésil. Il a étudié à l'Escola de Artes Visuais do Parque Lage de Rio de Janeiro en 1994 et en 1997. Il a également fréquenté le musée d'art moderne de Sao Paulo de 1994 à 1996. Son travail a été présenté dans de nombreuses expositions et biennales: plus récemment Ernesto a réalisé une installation monumentale qui était visible à la gare de Zurich, commandée par la Fondation Beyeler (2018), et il a également participé à la 14e Biennale de Lyon, organisée par Emma Lavigne (2017), à Manifesta 7 (2015), ainsi que à des expositions de groupe en 2017 au musée Guggenheim Bilbao, à la Galerie Albright Knox, au Centre Pompidou-Metz, en réalisant aussi une installation permanente au Museum of Contemporary Art, Chicago.

Photo par Alpimages
 

Federico Campagna est un philosophe et écrivain. Ses derniers ouvrages publiés sont Technique et magie: La reconstruction de la réalité (Bloomsbury, 2018) et La dernière nuit (Zero Books, 2013). Il est le rédacteur en chef de l’anthologie philosophique de Franco Berardi, Quarante ans contre le travail (Derive Approdi, 2017). Il a présenté ses recherches dans des institutions telles que la 57ème Biennale de Venise, Venise; Documenta 13, Kassel; la Serpentine Gallery, Londres; le Centre Winzavod d'art contemporain, Moscou; et MACBA, Barcelone. Federico a obtenu son doctorat à la School of Communication du Royal College of Art de Londres.

Photo par Frederik Jacobovits 

Gabi Ngcobo est une artiste, curatrice et éducatrice vivant à Johannesburg, en Afrique du Sud. Depuis le début des années 2000,Gabi s'engage dans des projets de collaboration dans le domaine des arts, de la conservation et de l'éducation, pas seulement en Afrique du Sud, mais aussi dans un context international. Elle a présidé la 10ème Biennale de Berlin intitulée We don’t need another hero et elle a été une des co-curateurs de la 32ème Biennale de Sao Paulo (2016). Elle est membre fondatrice des plateformes collaboratives basées à Johannesburg NGO Nothing Gets Organized et Center for Historical Reenactments (CHR, 2010–14). Le NGO se concentre sur des processus d'auto-organisation se déroulant en dehors de structures, définitions, contextes ou formes prédéterminés. Le CHR s'adresse aux problématiques du moment en explorant comment les héritages historiques ont un impact et résonnent au sein de l'art contemporain.

Photo par Alpimages

Grada Kilomba est une artiste et écrivaine interdisciplinaire née à Lisbonne et résidant à Berlin. Son travail traite de façon critique des problématiques liées à la mémoire, au traumatisme, à la race et au gendre . « Qui peut parler? », « De quoi pouvons-nous parler? » et « Que se passe-t-il quand nous parlons? » sont les trois questions récurrentes dans l'œuvre de Grada. Elle est surtout connue pour son écriture subversive et son utilisation non conventionnelle des pratiques artistiques, dans lesquelles elle donne corps, voix et image à son propre texte, en utilisant une grande variété de formats tels que la lecture, la performance, l’installation, la production sonore et vidéo, toujours  avec la narration comme élément central. Son travail a été présenté, entre autres, à la 10ème Berlin Biennale; Documenta 14; la 32ème Biennale de São Paulo; à la Power Plant de Toronto; au MAAT - Musée d'art, d'architecture et de technologie, Lisbonne; Pinacoteca de São Paulo. Elle est l'auteure de Souvenirs de la plantation (2008), une compilation d'épisodes du racisme quotidien écrits sous la forme de courts récits psychanalytiques.

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Irma Boom est une graphiste basée à Amsterdam spécialisée dans la création de livres. Pendant cinq ans, elle a travaillé (édition et conception/design) sur le livre de 2136 pages SHV Think Book 1996 -1896 commandé par SHV Holdings à Utrecht. Le Think Book a été publié en anglais et en chinois. Irma a étudié à l'AKI Art Academy à Enschede. Après l'obtention de son diplôme, elle a travaillé pendant cinq ans à l'Office d'édition et d'impression du gouvernement néerlandais à La Haye. En 1991, elle a fondé Irma Boom Office, qui travaille à l'échelle nationale et internationale dans les secteurs culturels et commerciaux. Depuis 1992, Irma est critique principale à l'Université de Yale aux États-Unis et donne des conférences et des ateliers dans le monde entier. Elle a reçu de nombreux prix pour ses conceptions de livres et a été la plus jeune lauréate à recevoir le prestigieux prix Gutenberg pour son œuvre complète. Irma a reçu le prix Johannes Vermeer 2014 – le prix d'État néerlandais pour les arts – pour ses réalisations sans précédent dans le domaine du design graphique du ministre de l'Éducation, de la Culture et des Sciences, Jet Bussemaker.
 

Jessica Morgan a rejoint la Dia Art Foundation en tant que directrice en janvier 2015 et elle a été successivement nommée Directrice Nathalie de Gunzburg en octobre 2017. Chez la Dia Art Foundation, Jessica est responsable de la consolidation et de la dynamisation de tous les aspects du programme multivalent de la fondation, y compris ses projets pionniers de Land art, son patronage d'oeuvres et d’installations site-specific, ainsi que la supervision des collections et la coordination de la programmation à travers les différents sites de la Dia.​ Depuis son arrivée, la fondation s’est élargie et a diversifié sa collection pour inclure notamment des œuvres majeures de Mary Corse, Nancy Holt, Robert Morris, Dorothea Rockburne, Kishio Suga, Anne Truitt et Lee Ufan. Parallèlement à un programme d’expositions enrichi, Jessica a poursuivi l’engagement de la Dia en faveur de la sponsorisation d’installations site-specific, permettant la création d'importantes nouvelles œuvres par des artistes tels que Isabel Lewis, Rita McBride et Joëlle Tuerlinckx. En 2015, elle a réalisé la première commission de la Dia hors du continent américain, une œuvre de Allora & Calzadilla, intitulée Puerto Rican Light (Cueva Vientos) à Porto Rico. En 2018, Jessica a annoncé une campagne pluriannuelle de stratégie globale comprenant la modernisation, la revitalisation et la gestion constantes des principaux espaces programmatiques et des sites d’artistes coordonnés par la Dia.

Photo par Alpimages

 

Joan Jonas est une artiste de renommée internationale dont le travail englobe un large éventail de médias, notamment la vidéo, la performance, l'installation, le son, le texte et la sculpture. Les expériences et les œuvres de Joan réalisées à la fin des années 1960 et au début des années 1970 continuent d’être cruciales pour le développement de nombreux genres d’art contemporain, allant de la performance et de la vidéo à l’art conceptuel et au théâtre. Depuis 1968, sa pratique artistique explore les façons de voir, les rythmes des rituels et l'autorité des objets et des gestes. Joan a exposé, projeté et performé son travail dans des musées, des galeries et des expositions de groupe de grande échelle à travers le monde. Elle a récemment présenté des expositions personnelles au Hangar Bicocca, Milan; au NTU Centre for Contemporary Art, Singapour; au pavillon des États-Unis pour la 56eme édition de la Biennale de Venise; à la Tate Modern, Londres; au TBA21 Ocean Space à l'église San Lorenzo, Venise; et au Musée Serralves, Porto. En 2018, elle a reçu le prestigieux prix de Kyoto, décerné à ceux qui ont contribué de manière significative à l'amélioration scientifique, culturelle et spirituelle de l'humanité.

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Jochen Volz est le directeur général de la Pinacothèque de São Paulo. En 2017, il était le curateur du Pavillon Brésilien à la 53ème Biennale de Venise. Il a été le curateur de la 32ème Biennale de São Paulo en 2016. Il a été également directeur du programme culturel de la Serpentine Galleries à Londres (2012-2015); directeur artistique à l'Instituto Inhotim (2005-2012) et curateur de l’espace d’art contemporain Portikus à Francfort (2001-2004). Jochen a été co-curateur de l'exposition internationale de la 53ème Biennale de Venise (2009) et de la 1ère Triennale d'Aichi à Nagoya (2010) et ainsi que curateur invité pour la 27ème Biennale de São Paulo (2006), en plus d'avoir contribué à plusieurs expositions à travers le monde. Il est diplômé d’une maîtrise en histoire de l'art, communication et pédagogie à l'Université Humboldt de Berlin (1998). Il vit et travaille à São Paulo.

Photo par Alpimages
 

Karen Archey est curatrice du département de l'art contemporain et des médias temporels au Stedelijk Museum Amsterdam.  Précédemment, elle était basée à Berlin et à New York, où elle a travaillé comme curatrice indépendante, critique d'art et rédactrice en chef de e-flux. Karen était une récipiendaire de la bourse Creative Capital de la Warhol Foundation Arts Writers Grant en 2015. En mettant l'accent sur les pratiques féministes, l'art et la technologie, ses écrits sont régulièrement présentés dans des magazines du calibre de frieze, ArtReview et aussi dans des anthologies publiées par des institutions comme le Whitney Museum of American Art, MIT Press et New Museum. Karen a co-organisé l'exposition d'étude Art Post-Internet au Centre d'art contemporain Ullens de Beijing (2014) et elle a édité la publication Art Post-Internet: INFORMATION / DATA. En tant que conférencière régulière, Karen est intervenue à la Renaissance Society de l’Université de Chicago, à l’Institut des arts contemporains de Londres, au Musée d’art moderne de New York, au MoMA PS1.

Photo par Frederik Jacobovits 

Lars Jakob Bang Larsen est curateur adjoint pour l'art international au Moderna Museet de Stockholm. Il est professeur invité en théorie de l'art au Royal Institute of Art de Stockholme, directeur de cours invité pour le programme d'art, culture et technologie au Massachusetts Institute of Technology de Boston et professeur invité et tuteur à la Haute Ecole d'Art et de Design de Genève. Lars est post-doctorant à l'Institut d'art et d'histoire culturelle de l'Université de Copenhague, où il détient également un doctorat sur les concepts psychédéliques dans l'art néo-avant-gardiste. Lars a organisé plusieurs expositions et il a été co-commissaire avec Jochen Volz de la 32ème Biennale de São Paulo 2016: Incerteza Viva (Live Uncertainty). Il a écrit plusieurs publications et contribue à divers magazines d’art (dont Artforum).

Née en 1974 à El Khnansa au Maroc, Latifa Echakhch est arrivée en France à l'âge de 3 ans mais elle a passé la majeure partie de sa vie en Suisse. Son oeuvre artistique est à la fois multi-référentielle et multidirectionnelle, à l'image de son parcours personnel hétérogène, de ses voyages et de ses intérêts éclectiques. Latifa privilégie la production de pièces d'installation qui sont en lien direct avec l'espace dans lequel elles sont présentées, en y mélangeant des références personnelles, multiculturelles, historiques et sociologiques. Lauréate du Prix Marcel Duchamp en 2013 et du Zurich Art Prize en 2015, Latifa est diplômée de l'École nationale supérieure de Cergy-Pontoise et de l'École nationale des Beaux-Arts de Lyon. Elle vit à Fully en Suisse et elle est représentée par les galeries Kamel Mennour à Paris, Kaufmann-Repetto à Milan, Eva Presenhuber à Zurich et Dvir à Tel Aviv. Ses oeuvres ont été présentées à la 15e Biennale d'Istanbul (2017), à la Galerie Power Plant, Toronto (2017), au Haus Konstruktiv, Zurich (2016), au Lentos Kunstmuseum, Linz (2015), au Swiss Institute, New York (2015), au Centre Pompidou, Paris (2014 - 2015), au Palazzo Grassi, Venise (2014), au Musée d'art contemporain de Lyon (2013) et au Hammer Museum, Los Angeles (2013).

Photo par Frederik Jacobovits 

Louise O. Fresco est une professeure, auteure et experte néerlandaise dans le domaine de l'alimentation et de l'agriculture durable, visant à apporter une réponse à la question : "Comment pouvons-nous fournir de la nourriture à 9 milliards de personnes d'ici 2030 ?". Depuis 2000, Louise occupe le poste de sous-directrice générale de l'Organisation des Nations unies pour l'alimentation et l'agriculture à Rome. Louise est également professeure à l'université de Wageningen et a été nommée présidente du conseil exécutif de l'université et de la recherche de Wageningen depuis 2014. Louise est une écrivaine de fiction et de non-fiction, qui écrit pour un large public sur la sécurité alimentaire et la culture alimentaire, notamment une colonne bimensuelle pour le journal NRC Handelsblad et le livre Hamburgers in Paradise (2012), ainsi qu'une vaste collection d'articles dans des revues scientifiques et des médias populaires. Elle a publié douze ouvrages non scientifiques, dont trois romans, parmi lesquels De Utopisten (Les Utopistes 2008) qui a été sélectionné pour le Libris Literature Award. 

Photo par Jeroen Oerlemans

Lucy Raven est une artiste basée à New York. Son travail s’exprime principalement dans les domaines du cinéma d’animation et de l’installation d'images animées. Ses oeuvres sont exposées ou projetées internationalement, notamment au Guggenheim Museum, New York ; à la Serpentine Gallery, Londres ; au MoMA et PS 1, New York ; au Portikus, Francfort ; à la Tate Modern, Londres ; et au Hammer Museum, Los Angeles. Son œuvre d'art publique permanente, Lichtspielhaus, a récemment été inaugurée dans le cadre de l'ouverture du nouveau musée du Bauhaus à Dessau, en Allemagne (septembre 2019). Elle est la co-fondatrice (avec Vic Brooks et Evan Calder Williams) du collectif de recherche et de production d'images en mouvement 13BC, dont l'exposition Fatal Act est présentée à la Douglas Hyde Gallery à Dublin, Irlande, jusqu'au 7 décembre 2019. Elle enseigne à la Cooper Union School of Art à New York.

Maria Balshaw est directrice du musée Tate de Londres, poste qu'elle occupe depuis juin 2017. Elle a la responsabilité globale de la direction stratégique de la Tate et ainsi que des opérations quotidiennes du musée. En tant que directrice, Maria est également administratrice des comptes, nommée par le Département du numérique, de la culture, des médias et des sports (DCMS). Auparavant, en tant que directrice du Whitworth, les galeries de l'université et de la ville de Manchester, Maria était responsable de la vision artistique et de la stratégie opérative de chaque galerie. En tant que directrice de la culture pour le conseil municipal de Manchester de 2013 à 2017, Maria a joué un rôle de premier plan dans l'établissement de la ville comme un des centres culturels majeur d’Angleterre. Maria est membre du conseil d’administration du Clore Leadership Program et du Festival international de Manchester. Elle a été membre du conseil d’administration du Arts Council England jusqu'en mars 2018. En juin 2015, Maria a reçu le titre de CBE (Compagnon de l’Ordre de l’Empire Britannique) pour ses services rendus aux arts à l'occasion de l'assignation des honneurs pour l’anniversaire de la reine.

Photo par Frederik Jacobovits 

Mark Fisher (1968-2017) était écrivain, critique, théoricien de la culture et responsable du programme de maîtrise en Cultures Auditives et Visuelles à Goldsmiths, University of London, et conférencier à l'University of East London, Londres. Il a été membre fondateur de l'Unité de recherche sur la culture cybernétique et auteur de Ghosts Of My Life: Writings on Depression, Hauntology and Lost Futures (2014), et Capitalist Realism: Is There No Alternative? (2009). Les écrits de Fisher sont parus dans de nombreuses publications, dont Frieze, The Guardian, New Humanist, New Statesman, Sight & Sound et The Wire. Il a également produit deux essais audio acclamés en collaboration avec Justin Barton : londonunderlondon (2005) et On Vanishing Land (2013).

Michelle Kuo est curatrice Marlene Hess dans le département de peinture et sculpture au Museum of Modern Art de New York. Elle a été rédactrice en chef d’Artforum de 2010 à 2017 et elle a dirigé le numéro du 50e anniversaire du magazine, ainsi que autres plusieurs autres numéros spéciaux sur des sujets contemporains allant des nouveaux médias à la peinture, en passant aussi par la politique identitaire. Michelle est aussi auteure de nombreux essais sur les travaux , entre autres, de Robert Rauschenberg, Le Corbusier et Jeff Koons; elle a donné de nombreuses conférences dans des institutions comme le Centre Pompidou et l’Académie centrale des beaux-arts de Beijing. Elle contribue également à des publications comme Octobre et The Art Bulletin et elle a présenté la prestigieuse conférence de l’Association internationale des critiques d’art en 2012. Elle est également l'auteur d'un livre basé sur le sujet de sa thèse de doctorat: le groupe interdisciplinaire d'après-guerre Experiments in Art and Technology (E.A.T.).

Photo par Frederik Jacobovits 

Naine Terena appartient à la population indigène Terena de l'État du Mato Grosso do Sul. Elle est titulaire d’un doctorat en éducation, d’une maîtrise en art et d’un baccalauréat en communication sociale. Naine a reçu une bourse postdoctorale en éducation (juillet 2015) à la Lêtece — UFMT et elle enseigne actuellement des cours à l'Université Catholique du Mato Grosso dans les domaines de la communication sociale et de l'éducation indigène. Elle est productrice culturelle et artistique à Oráculo Comunicação pour l'éducation et la culture, où elle développe des projets de recherche, des ateliers et des activités liées à l'éducation, à la culture et au militantisme.

Photo par Frederik Jacobovits 

Nicholas Serota a été nommé président de l'Arts Council England en février 2017. Né à Londres en 1946, il a étudié l'économie et l'histoire de l'art à l'Université de Cambridge et au Courtauld Institute de Londres. Il a rejoint le département des arts visuels du Conseil des arts de la Grande-Bretagne en tant que responsable régional des arts en 1970, puis a travaillé comme conservateur à la Hayward Gallery. De 1973 à 1976, il a été directeur du Museum of Modern Art d'Oxford, puis directeur de la Whitechapel Gallery de 1976 à 1988. Nicholas a été directeur de la Tate de 1988 à mai 2017. Au cours de cette période, la Tate a ouvert la Tate St Ives (1993) et la Tate Modern (2000, agrandie en 2016), redéfinissant le bâtiment Millbank en tant que Tate Britain (2000). La Tate a également élargi son champ d'intérêt pour inclure la photographie, le cinéma, la performance et parfois l'architecture du vingtième siècle, ainsi que des collections d'Amérique Latine, d'Asie, du Moyen-Orient et d'Afrique. Depuis 2010, le rôle national de la Galerie s'est encore développé avec la création du réseau Plus Tate de 35 institutions à travers le Royaume-Uni et l'Irlande du Nord. Ces dernières années, il a organisé ou co-organisé un certain nombre d'expositions à la Tate, dont Cy Twombly, Gerhard Richter, Matisse: the Cut-Outs. Nicholas a été administrateur de la Fondation pour l'architecture et commissaire de la Commission pour l'architecture et l'environnement bâti. Il était membre de l'Olympic Delivery Authority qui était responsable de la construction du parc olympique dans l'est de Londres en 2012. Il est membre du conseil d'administration de la BBC.

 

Les œuvres de l'artiste Olafur Eliasson comprennent la sculpture, la peinture, la photographie, le cinéma et l'installation. Non limité aux confins du musée et de la galerie, sa pratique engage la sphère publique au sens large à travers des projets architecturaux, des interventions dans l'espace civique, l'éducation artistique, l'élaboration de politiques et les questions de durabilité et de changement climatique. Depuis 1997, ses expositions personnelles sont présentées dans les plus grands musées du monde. Les projets d'Olafur dans les espaces publics incluent The New York City Waterfalls en 2008 et Ice Watch, montré à Copenhague en 2014, Paris en 2015 et Londres en 2018. L'art d'Olafur est motivé par ses intérêts pour la perception, le mouvement, l'expérience incarnée et les sentiments de soi. Il s'efforce de rendre les préoccupations de l'art pertinentes pour la société en général. L'art, pour lui, est un moyen crucial pour transformer la pensée en action dans le monde. Il est actif dans le domaine numérique depuis de nombreuses années et a été l’un des premiers à explorer le potentiel de la réalité virtuelle et de la réalité augmentée.

Photo par Frederik Jacobovits 

Olinda Tupinambá, indigène des peuples hãhãhãe Tupinambá et Pataxó, est journaliste, cinéaste et activiste environnementale. Elle travaille avec des supports audiovisuels depuis 2015, notamment des documentaires, des fictions et des performances. Elle a produit et réalisé 7 œuvres audiovisuelles indépendantes, et en a deux autres en production, dont l'une est commandée par la Pinacothèque de São Paulo en collaboration avec la collection Ivani et Jorge Yunes. Olinda a également été la commissaire de plusieurs festivals et spectacles cinématographiques, notamment le 8e festival de cinéma indigène Cine Kurumin (2021) et la Mostra Lugar de Mulher é no cinema (2021).

Photo par Arquivo Pessoal

Le travail artistique de Pamela Rosenkranz aborde les instables définitions philosophiques et scientifiques du «naturel» et de «l’humain» à l’époque de l’Anthropocène (l’ère géologique marquée par l’impact des activités humaines sur l’écosystème). Pamela déploie une palette d'icônes brevetées - des bouteilles d'eau en polyéthylène, des boissons gazeuses, des peintures au latex de Ralph Lauren, des JPEG de International Blue Klein, du papier photo Ilford et des baskets ASICS - enrichis par des interventions en silicone et acrylique couleur chair. En contestant la distinction entre naturel et artificiel, elle interroge les dynamiques évolutives et matérielles sous-jacentes à la perception, à l'art et à la culture.

Photo par Frederik Jacobovits 
 

Paul Spies est diplômé en histoire de l'art et archéologie à l'Université d'Amsterdam. En 1987, il fonde D’arts, un cabinet de conseil et d’organisation spécialisé en histoire de l’art, qui produit de nombreux concepts pour musées, expositions, publications, campagnes de marketing et de communication culturel, et programmes télévisés. En 2009, il devient directeur du Musée Historique d’Amsterdam. Depuis lors, il a dirigé et supervisé la rénovation des expositions et de l'organisation de ces musées et il a également lancé plusieurs partenariats avec différents musées du patrimoine à Amsterdam. Il a été directeur du Amsterdam City Museum et depuis 2016 directeur du Stadtmuseum Berlin et conservateur en chef de l'État fédéral de Berlin au Humboldt Forum.

Photo par Frederik Jacobovits 

Paul F.M.J. Verschure est professeur de recherche à l'Institut catalan d'études avancées (ICREA) et directeur du programme de neuro-ingénierie de l'Institut de bio-ingénierie de la Catalogne et de l'Institut des sciences et technologies de Barcelone, où il dirige le laboratoire SPECS (Synthetic Perceptive, Emotive and Cognitive Systems). Il est professeur associé en informatique et intelligence artificielle à l'Université Pompeu Fabra. Il est fondateur et PDG de l’entreprise Eodyne Systems S.L., qui commercialise des technologies novatrices dans les méthodologies de neuroréhabilitation et également des technologies pour la conservation du patrimoine culturel. Paul est le fondateur et président de la Future Memory Foundation, qui vise à soutenir le développement de nouveaux outils et méthodologies pour la conservation, la présentation et l'éducation de l'histoire de l'Holocauste et des crimes nazis. En complément à son engagement scientifique, Paul a développé et déployé plus de 35 installations et performances artistiques.

Photo par Frederik Jacobovits 

Philippe Rahm est un architecte suisse, directeur du studio d’architecture Philippe Rahm architectes, basé à Paris, France. Son travail, qui étend le domaine de l'architecture du physiologique au météorologique, a reçu l’attention du public international dans le contexte de la durabilité. Ses travaux récents incluent le premier prix du concours Farini à Milan, en 2019; le Central Park de 70 hectares à Taichung, Taiwan, achevé en décembre 2019 ; l'Agora de la Radio Nationale Française à Paris ; et un espace d'exposition de 2 700 m2 pour la Fondation Luma à Arles, France. Il a été professeur à la GSD Harvard University, à la Columbia University et à la Princeton University. En 2017, son travail a été exposé aux biennales d'architecture de Chicago et de Séoul.

Photo par Alpimages
 

Rem Koolhaas a fondé OMA en 1975 avec Elia et Zoe Zenghelis et Madelon Vriesendorp. Diplômé à l'Architectural Association de Londres, il publie en 1978 Delirious New York: un manifeste rétroactif pour Manhattan. En 1995, son livre S, M, L, XL résume le travail de OMA dans «un véritable roman sur l'architecture». Il dirige les travaux d'OMA et d'AMO, la branche de recherche expérimental de OMA, qui opère dans des domaines autres que l'architecture, tels que les médias, la politique, les énergies renouvelables et la mode. Koolhaas est professeur à l'université de Harvard, où il dirige le cours de planification urbaine. En 2014, il était directeur de la 14ème exposition internationale d'architecture de la Biennale de Venise, intitulée Fundamentals. Il a organisé Countryside: The Future (2020), une exposition sur les zones non urbaines du monde qui a ouvert ses portes en février 2020 au Guggenheim Museum de New York et s'est terminée le 15 février 2021.

Photo par Frederik Jacobovits 

Né à Buenos Aires et élevé en Thaïlande, en Éthiopie et au Canada, Rirkrit Tiravanija est un artiste contemporain qui brouille les frontières entre l’art et la vie, allant au-delà de la performance pour créer des événements artistiques socialement engagés qui demandent activement au public de devenir l'acteur principal de ces oeuvres d’art particulières. Il a été le protagoniste de nombreuses expositions dans les plus grands musées d’art contemporain dans le monde, tels que le Museum of Modern Art de New York, le Guggenheim Museum de New York, le musée Reiña Sofia de Madrid et le Los Angeles County Museum of Art. Rirkrit est membre de la faculté de la School of the Arts de la Columbia University et il est l'un des membres fondateurs et curateurs d'Utopia Station, un projet collectif d'artistes, historiens de l'art et curateurs. Rirkrit est également président d'un projet éducatif et écologique connu sous le nom de The Land Foundation, situé à Chiang Mai, où il maintient sa résidence principale et son studio. Rirkrit a été récompensé par de nombreux prix et subventions tels que le prestigieux prix Hugo Boss organisé par le Solomon R. Guggenheim Museum de New York (2004).

Photo par Alpimages
 

Simon Denny est un artiste contemporain néo-zélandais basé à Berlin, Allemagne. Il réalise des expositions qui déballent les implications sociales et politiques de l'industrie technologique et l'essor des médias sociaux, de la culture des startups, des blockchains et des crypto-monnaies, en utilisant une variété de médias, notamment l'installation, la sculpture, l'impression et la vidéo. Il a étudié à l'Elam School of Fine Arts de l'université d'Auckland et à la Städelschule de Francfort-sur-le-Main. Simon a été commissaire d'expositions sur la blockchain et l'art et a exposé dans de grands musées à travers le monde, ses œuvres sont conservées dans des collections institutionnelles internationales. Simon a cofondé le programme de mentorat BPA et est professeur de Time Based Media à l'Université des Beaux-Arts de Hambourg.

Photo par Max Pitegoff Calla Henkel
 

Stefan Kaegi is based in Berlin, produces documentary theatre plays and works in public space in a diverse variety of collaborative partnerships. Stefan has toured across Europe and Asia with two Bulgarian lorry drivers and a truck which was converted into a mobile audience room (Cargo Sofia). He developed Radio Muezzin in Cairo – a project about the call to prayer in this age of technical reproduction. At the moment he adapts Remote X, an audio tour for 50 headphones to cities like Taipei and Tunis, and he tours the interactive installation Nachlass that portrays people who have not much time to live. Stefan co–produces works with Helgard Haug and Daniel Wetzel, under the label Rimini Protokoll. Using research, public auditions and conceptual processes, they give voice to ‘experts' who are not trained actors but have something to tell. Their latest work Utopolis for 48 portable loudspeakers opened in Manchester Festival 2019.
 

Susanne Pfeffer est devenue directrice du Museum für Moderne Kunst (MMK) à Francfort-sur-le-Main à partir du 1er janvier 2018. Curatrice du projet présenté par Anne Imhof pour le Pavillon Allemand à la Biennale de Venise 2017, gagnant du Lion d'or et également collaboratrice de Artforum, Pfeffer devient la directrice du Fridericianum de Kassel en 2013. Au Fridericianum, elle a exploré des hypothèses des futurs posthumes avec des expositions comme Speculations on Anonymous Materials (2013) et les suivantes Nature After Nature (2014) et Inhuman (2015). Susanne a également été aussi directrice artistique du Künstlerhaus Bremen de 2004 à 2006 et curatrice en chef du KW Institute of Contemporary Art à Berlin de 2007 à 2012.

Photo par Frederik Jacobovits 

Tania Bruguera est une artiste cubaine spécialisée en installations et performances artistiques. Elle est reconnue au niveau international pour son travail qui associe l’art à l’activisme, avec l’objectif de se battre pour la liberté et la démocratie à travers les frontières. Après une exploration artistique de la potentialité du corps en tant que moyen d'interroger et d'attaquer les structures dominantes de pouvoir, Tania a commencé à se concentrer sur la création d’événements artistiques dans lesquels le public et son comportement deviennent les incontestés centres actifs incontestés. Pendant sa carrière, Tania a inventé une méthode artistique novatrice, qui vise à dévoiler le mécanisme du pouvoir et à répondre aux problèmes liés à la répression, à la censure et aux inégalités sociales. Tania a été la protagoniste de diverses expositions dans des musées internationaux tels que la Tate Modern de Londres, le Van Abbemuseum de Eindhoven et la Hayward Gallery de Londres.

Photo par Frederik Jacobovits 
 

Tino Sehgal, qui a d'abord étudié l'économie politique et la danse, a commencé à se dédier aux arts visuels en 2000. Il a acquis une renommée internationale pour son révolutionnaire travail expérimental présenté à la Biennale de Venise, à Documenta de Kassel, au Guggenheim Museum de New York et à la Tate Modern de Londres. Le Stedelijk Museum d'Amsterdam a travaillé avec Sehgal depuis le début de sa carrière, présentant son travail en 2004 et 2006; le musée a aussi acquis sa première œuvre en 2005. Pour Tino, une œuvre d'art consiste en une rencontre en direct entre l’œuvre et le spectateur. Il ne réalise pas d'objets; il crée des «situations» dans l’espace du musée, dans lesquelles des interprètes exécutent des actions chorégraphiées et s’entretiennent parfois avec les visiteurs. Ces rencontres offrent au visiteur une expérience totalement unique d’œuvres d’art vivantes.

Photo par Frederik Jacobovits 

La pratique artistique de Tobias Madison résiste à des catégorisations trop simplistes et elle se concentre particulièrement sur la question fondamentale de l’autodétermination. Son travail montre un intérêt continu pour le théâtre, la technologie et il possède un sens presque inhumain d'autosuffisance. Il a eu des expositions personnelles à l'Institut suisse de New York (2010) sous la direction de Gianni Jetzer et au Kunstverein Munich et il a aussi participé à de nombreuses expositions de groupe. Il a aussi été protagoniste de l’exposition personnelle NO; NON; H, EP à la Kunsthalle de Zürich et d’une commission pour Frieze en 2014. En avril 2015, Madison est retournée à la Kunsthalle Zurich pour jouer dans le Theater der Überforderung [Théâtre de l'excès], une performance d'un mois avec des répétitions ouvertes quotidiennes, dirigées par Barbara Weber et organisé en cinq premières. Tobias enseigne dans le programme Master de la HEAD de Genève et contribue régulièrement en tant que critique à des magazines tels que Texte zur Kunst, Frieze, May et Flash Art.

Photo par Frederik Jacobovits 

Tobias est un philosophe. Il est le fondateur et PDG de ToftH.org, une organisation qui se consacre au rapprochement de la philosophie, de l'art et de la technologie. Avant de fonder ToftH.org, il était titulaire de la chaire William Dawson à l'université McGill, professeur de sciences humaines Reid Hoffman à la New School/Parsons School of Design et directeur de l'Institut Berggruen, basé à Los Angeles. Tobias est membre de l'Institut canadien de recherches avancées et est diplômé en philosophie, en anthropologie et en neurobiologie. Son travail se concentre sur la philosophie, la poésie et la politique du contemporain. Tobias a également travaillé comme conseiller pour de nombreuses universités nord-américaines et européennes sur la manière de réinventer les sciences humaines. Il est l'auteur de dizaines d'articles et de trois livres : Designs for an Anthropology of the Contemporary (2008), Plastic Reason (2016), et plus récemment de After Ethnos (2018).

Tom Battin est professeur ordinaire à l'École Polytechnique Fédérale de Lausanne (EPFL) où son laboratoire étudie l'écologie microbienne et la biogéochimie des écosystèmes fluviaux dans les régions montagneuses du monde entier. Il s’intéresse à la diversité immense et invisible de la vie microbienne dans ces écosystèmes et à la façon dont elle s’est adaptée à ces environnements extrêmes. En parallèle, ses travaux de laboratoire portent sur le rôle des cours d'eau et des rivières dans le cycle global du carbone, et comment le changement climatique affecte ce rapport. Avant de rejoindre l'EPFL, Tom était professeur de limnologie à l'Université de Vienne et professeur invité à l'Université des arts appliqués de Vienne et à l'Université d'Uppsala. Il a auparavant effectué un stage postdoctoral aux Etats-Unis et en Espagne. Il a également été titulaire de la bourse espagnole Ramón y Cajal et du prix Start, le plus haut prix autrichien décerné à des jeunes scientifiques.

Torkwase Dyson est une artiste interdisciplinaire américaine basée à New York. En tant que peintre, elle travaille sur de multiples supports pour explorer la continuité entre l'écologie, l'infrastructure et l'architecture. Elle se concentre sur la façon dont les corps noirs et bruns perçoivent et négocient l'espace. Ses œuvres abstraites se penchent sur les stratégies de libération spatiale à partir de perspectives historiques et contemporaines, cherchant à découvrir de nouvelles compréhensions du potentiel de géographies plus vivables. Torkwase a étudié au Tougaloo College, dans le Mississippi, où elle s'est spécialisée en sociologie et a suivi une double spécialisation en travail social et en beaux-arts. Son travail a fait l'objet d'expositions individuelles et collectives dans de grands musées des États-Unis et, plus récemment, à la Biennale de Sharjah. 
 

Le professeur, docteur et docteur honoris causa Wolf Singer a étudié la médecine à Munich et à Paris. Il a obtenu son doctorat en médecine à l'université Ludwig Maximilian de Munich et son doctorat à l'université technique de Munich. Il est directeur émérite à l'Institut Max Planck pour la recherche sur le cerveau de Francfort, directeur et fondateur de l'Institut des hautes études de Francfort (FIAS) et de l'Institut de neuroscience Ernst Strüngmann (ESI) et il est également directeur du Forum Ernst Strüngmann. Ses recherches se concentrent  sur le substrat neuronal des fonctions cognitives supérieures, notamment sur la manière dont les sous-processus distribués dans le cerveau sont coordonnés et liés entre eux pour générer perceptions et actions cohérentes. Ces études sont réalisées avec l'aide de techniques électrophysiologiques appliquées à des singes élevés avec un entraînement comportemental et avec des méthodes d'imagerie non invasives sur l’homme.

Photo par Frederik Jacobovits